Edward Gorey (segunda parte)

Continúa desde: http://fotosdecomics.blogspot.com/2009/11/edward-gorey.html

Cuando el coreógrafo George Balanchine murió en 1983, la ciudad perdió su encanto y (Gorey) decidió abandonar Nueva York definitivamente; entonces se instaló en una casa del siglo XIX en Yarmouth Port, la que pronto amenazó con derrumbarse debido al peso de sus miles de discos de vinilo, libros, y los numerosos objetos que componían sus distintas colecciones, pues Gorey era un coleccionista compulsivo: dominado por ese mismo horror vacui que lo llevaba a cargar de detalles sus viñetas, atiborró su casa de calaveras, cruces celtas, osos de peluche, versiones del Mesías de Handel (su obra musical favorita), y láminas de sus artistas preferidos.Cualquiera que hubiera visto su destartalada mansión, maltratada por los desmanes de sus cada vez más numerosos gatos, y su jardín cubierto por la maleza, la que crecía incluso dentro de la casa, habría podido pensar que se trataba de una casa embrujada. El mismo autor declaró en varias oportunidades que también él tenía sus sospechas, y relató anécdotas como la misteriosa desaparición de su colección de osos de peluche o la vez en que varios de sus gatos giraron simultáneamente la cabeza en una misma dirección, como si alguien acabara de entrar en la habitación. Sumemos a todo esto los motivos principalmente macabros de la mayor parte de su obra así como su estilo literario caracterizado por la vaguedad y la sugerencia, su modo grandilocuente y deliberadamente arcaico (habitualmente trufado de galicismos) y su actitud no arisca pero si huidiza (disfrutaba de la soledad y no acudía casi nunca a abrir la puerta, a no ser que el visitante diera unos golpecitos con los nudillos en alguna ventana), y entenderemos el porqué de su fama de escritor huraño y extravagante. Sin embargo, según sus más cercanos, este retrato no hace justicia al Gorey real, un hombre que, efectivamente, vivía tranquilo sin tener demasiado contacto con la gente, pero que por otra parte participaba de un modo más o menos activo en la vida de su comunidad, comía frecuentemente en los restoranes del barrio y todos los años producía versiones teatrales de sus obras en Cape–Cod, mezclando actores reales con marionetas que él mismo confeccionaba. Según Andreas Beown, amigo de Gorey y dueño de la librería Gotham Book Mart, de Manhattan (una de las primeras en comercializar sus libros y actualmente lugar predilecto de los goreyófilos, debido a la gran cantidad de merchandising relacionado con el autor: posters, tazas, camisetas, exposiciones…): “existía esta falsa idea de que era un hombre melancólico y ensimismado. Pero no era un recluso. Era jovial y efervescente, y le encantaba reír”. Por otra parte, Gorey incumplía a diario otra las reglas del decálogo del anacoreta, pues permanecía en permanente contacto con el mundo exterior a través de los medios de comunicación, ya que tenía una autentica necesidad física de absorber información continuamente. Además de lector voraz era también cinéfilo empedernido y aficionado a todo tipo de productos televisivos. No hacia distinción entre tipos de cultura y discutía con la misma pasión los capítulos de Los Simpson o las aventuras de La pequeña Lulú como las teorías de Wittgenstein o las obras de Emerson, a la vez que grababa todos los episodios de Buffy la cazavampiros, serie de la que era ferviente seguidor, mientras confeccionaba pequeñas ranas de peluche que cosía sin retirar la vista de la tele.

A pesar de esta pasión por muchos aspectos de la cultura contemporánea, resultará evidente que los referentes directos de Gorey surgen del siglo XIX británico, del que provienen varios de sus escritores favoritos como Dickens o Jane Austen, de la que llegó a decir que, si su estilo de dibujo lo había adquirido admirando a ilustradores como Doré, su sensibilidad surgía directamente de los libros de esta autora. Por otra parte, también se declaraba “irracionalmente interesado en el surrealismo y el dadá”, algo que no sorprende teniendo en cuenta la cualidad imaginativa de su escritura y su tendencia hacia el nonsense y el absurdo.
Gorey comentó en una entrevista en The New Yorker en 1992: “Escribo de modo que, dado que dejo de lado la mayoría de las conexiones, y muy pocas cosas están claramente explicadas, pueda sentir que estoy haciendo un daño mínimo a las posibilidades que pudieran surgir en la mente del lector”.
Esta reacción en contra de todo tipo de encorsetamiento se fue intensificando con el tiempo, haciendo de Gorey un artista progresivamente más libre incluso de las ataduras que él mismo se había impuesto en un principio: “A medida que han ido pasando los años, he descubierto que prefiero no sufrir cuando estoy trabajando. Alguien me dijo en una ocasión que no importa si estás conquistando un imperio o jugando al dominó; sólo es otra manera de pasar el tiempo.
El artículo completo, libre de fragmentaciones y recortes molestos en: http://www.lanzallamas.org/blog/2008/02/edward-gorey/

"Squadra fantastica"

Increible equipazo.

Oski, Quino, Mordillo,

Alberto Breccia, Carlos Sampayo,

Sergio Aragones, Altan, Schiafino,

Miguel Paiva, Enrique Breccia y José Muñoz.

Los once posan para la ocasión en el salón del cómic de Lucca, Italia 1975.

En la última foto parece que al dibujante de la Mad lo echaron por poner la pierna fuerte en el medio de la cancha.

La foto de por si ya es mitológica y para compensar la baja calidad del material que mejor que rearmar la escena mítica desde tres objetivos diferentes.

En esta ocasión agradezco al Sr. Diego Agrimbau

que me hizo llegar uno de los tres registros fotográficos.

Bienal de humor e historieta de Córdoba

Bienal de Humor e Historieta de Córdoba. Años 1972, 1974, 1976 y 1979

Extraña época la de la historieta argentina en los setenta. Un período enmarcado politicamente por el tercer gobierno de Perón y el golpe y posterior gobierno militar del 76.

Extraña en cierta medida, mas allá del contexto social, porque es durante estos años en donde comienzan a presentarse una serie de interesantísimos análisis teóricos y críticos que contrastan con la poca cantidad de material que se publica en el país. Representativo de esto es la Bienal internacional del Instituto Di Tella en el 68 y las Bienales de Córdoba que le continuaron.

En la foto: 1a. Bienal del Humor y la Historieta de Córdoba (Argentina), 1972.
Entre otros: 1. H. G. Oesterheld - 2. Quino - 3. Caloi - 4. “Turco” Salomón - 5. Lorenzo Amengual - 6. Oscar Steimberg - 7. Lino Palacio - 8. Alberto Cognini - 9. Coco Feldman - 10. Fontanarrosa - 11. Kalondi - 12. Alberto Breccia - 13. Crist - 14. Rafael Sábat - 15. Bróccoli - 16. Hermenegildo Sábat - 17. Blanca Sábat - 18. Alfredo Sábat

Fuente: http://www.alfredosabat.com/

Bienal de 1976

De izquierda a derecha y de arriba hacia abajo: Killian, Amengual, Lucho Olivera, Garaicochea, Caloi, Fontanarrosa, Altuna, Bróccoli, Dalfiume, Limura, Carovini, Fatti, Serguei, Feldman, Crist, Salomón.

Fuente: http://www.luisscafati.blogspot.com/


Entre otros aspectos interesantes, las bienales de humor e historieta de Córdoba fueron la génesis para la concreción de la contratapa del diario Clarín.

Power Girls

Power Girls

Tara Mcpherson

Es una artista nacida en 1976 que vive y
trabaja en Nueva York. Ha trabajado en el mundo del cómic
realizando tanto portadas como interiores pero donde ha obtenido mayor reconocimiento es en el mundo del diseño realizando una gran cantidad de pósters de bandas, portadas de discos o colaborando con gente como Kidrobot, Dark Horse o Toy2R.

http://www.taramcpherson.com/

Molly Crabapple

Es una artista de Brooklyn relacionada al
comic y la ilustración. Como ilustradora su trabajo ha a sido
presentado en las páginas de Marvel Comics, The New York Times, The Wall Street Journal y Playgirl. Sus creaciones, que ella

misma describe como un "Dónde

está Wally para pervertidos", han sido expuestas en El Museo del Sexo, the Deitch Art Parade o
The Miami's Art Basel. Paralelamente a su carrera, Molly fundó
el "Dr. Sketchy's Anti Art School", una extraña mezcla entre
el cabaret y las clases de dibujo con modelo vivo.

http://mollycrabapple.com/

Hope Larson

Su trabajo en Flight Vol I y II, Salamander Dream y Gray
Horses ha recibido críticas favorables y no por nada estuvo
nominada en el 2006 al premio Kim Yale a mejor

talento
femenino. Por si fuera poco, también recibió el Ignatz en el
2006 a Talento Más Prometedor y un Reconocimiento Especial

en el Eisner del 2007.

Comparte su vida sentimental (y laboral)

con Bryan Lee O'Malley el creador de Scott Pilgrim.

"La industria de los comics tiene una reputación por ser un lugar horriblemente machista, y lo puede ser, pero también lo son el resto de industrias. Lo único que puedo hacer es seguir contando las historias que quiero e ignorar a los pocos tontos que dicen que mi trabajo es muy de "niñas" o "insustancial" o inaceptable en algún otro sentido."

Hope Larson

http://www.hopelarson.com/

Edward Gorey (primera parte)

Edward St. John Gorey (Ted para los amigos), nació en Chicago el 25 de febrero de 1925. Su padre, que trabajaba como periodista para uno de los diarios de la ciudad, se divorció de su madre cuando Edward tenía once años y volvió a contraer nupcias con ella cuando el retoño de ambos cumplió los 27. Entretanto, el padre estuvo casado con otra mujer, Corinna Mura, una cabaretera que si pasa a la historia por algo no será por haber sido la madrastra de Gorey, sino por interpretar a la cantante del Rick´s Café que entona apasionadamente La Marsellesa en la película Casablanca.

Gorey afirmaba haber aprendido a leer a los 3 años de edad, y a los 5 ya había leído dos libros decisivos para su formación: Drácula y Alicia en el país de las maravillas. A los 7 se enfrascó en Frankenstein, y a los 8 había terminado las obras completas de Víctor Hugo. Pronto se convirtió también en un apasionado de Agata Christie, sobre cuyas obras podía disertar interminablemente.

Su única educación artística formal la recibió en 1942, al ingresar en un curso de un semestre en el Art Institute de Chicago, hasta que en 1943 fue llamado a las filas del ejército. Mientras vivió en Boston (1950 – 53), Gorey se dedicó a escribir versos, a la vez que trabajaba en una librería .En 1953, con las carpetas de dibujo a la espalda, Gorey se trasladó a Nueva York y fue contratado como director artístico de la línea de libros de tapa blanda de la editorial Doubleday, en la que permaneció siete años diseñando portadas muy llamativas gracias a sus ilustraciones y sus rótulos caligrafiados. Fue en esa época cuando Gorey comenzó a trabajar por las noches en sus propios libros, aunque la reacción de los editores distó mucho de ser positiva. Cuando presento en las oficinas de Simon & Schuster el original de The Loathsome Couple, la historia de dos amantes insatisfechos que únicamente obtienen placer asesinando niños (relato basado en el caso real de una pareja británica que asesinó a varios niños hasta que fueron capturados al dejar caer varias fotos con muestras de “su trabajo” en un autobús), el editor lo rechazó horrorizado diciendo que aquello no tenía nada de gracioso. Varias décadas más tarde, en una entrevista para el sitio Internetsalon.com, Gorey comentaría: “Bueno… no se suponía que tenía que ser divertido; que reacción tan peculiar”.

Esta falta de interés por su trabajo animó a Gorey a fundar su propia editorial, Fantod Press, cuyos tirajes mínimos le permitían encargarse a él mismo de la distribución, vendiendo los libros directamente a las librerías. Su primera y curiosa novela ilustrada, The Unstrung Harp apareció aquel mismo año 1953, seguida de obras como The Listing Attic , The Dubtfoul guest 1957, o The Object Lesson, 1958.

Desde que abandonó Harvard en 1950 y hasta el día de su muerte, Gorey vivió completamente solo y nunca se le conocieron amoríos; esto, unido a su extravagante apariencia (le gustaba pasear por Manhattan ataviado de pieles y con un sombrero de mapache en la cabeza, además de ocupar sus manos con grandes anillos y adornar sus lóbulos con aros de pirata), llevó a no pocos ridículos reporteros a preguntarse si sería homosexual. En una entrevista aparecida en la revista New Yorker en 1992, Gorey comentó lacónicamente que, sencillamente, no tenía interés en este tipo de temas, y se declaró “razonablemente asexuado”. Amante incondicional del ballet, mantuvo simultáneamente un departamento en la gran manzana y una casa en Cape Cod, a la que se retiraba cada vez que se terminaba la temporada de ballet, acompañado de sus entonces cinco gatos: Agrippina, Fujuisubo, Kanzuke, Kokiden y Murazake (la mayoría de ellos nombrados en honor de los personajes de Historia de Genji, de Murasaki Shikibu, uno de sus libros favoritos)

Continuará

El artículo completo en :http://www.lanzallamas.org/blog/2008/02/edward-gorey/

The Marvel Bullpen 1969 parte 1

The Marvel Bullpen en 1969

"The Bullpen" era el cariñoso término con el que los artistas de Marvel llamaban a su espacio de trabajo en el edificio de la casa de las ideas. En realidad se trataba de un espacioso salón en donde guionistas,dibujantes, entintadores, coloristas y letristas trabajaban juntos unos con otros. Por esa época era el método de trabajo ideal para lo que se llamaba "The Marvel way".

A partir de 1965 y en casi todos los títulos de la editorial, Stan Lee incluiría una página denominada "The Bullpen Bulletín" en donde el editor en jefe de Marvel se acercaría directamente a sus lectores, ya sea escribiendo sus columnas "The Stan's Soapbox", anunciando las noticias de la editorial o como en este caso presentando los rostros de aquellos que conformaban el equipo de trabajo de la editorial.

Charles Addams

Charles Samuel Addams nació el 7 de enero de 1912 en Westfield, Nueva Jersey.
Comenzó sus colaboraciones para The New Yorker en 1933 y pronto se convirtió en uno de los dibujantes mas populares de la revista caracterizándose por sus clásicas “one-liner”, esas viñetas acompañadas de una única línea de texto debajo.
Addams, que realizó más de 1.300 dibujos en el transcurso de su vida y trabajó en The New Yorker hasta su muerte en 1988, también publicó en Collier’s Weekly y TV Guide entre otras y realizó portadas de libros, calendarios, discos e incluso carteles de cine. El más conocido es el de la genial “Murder by Death, escrita por Neil Simon y en cuyos créditos iniciales, diseñados por Wayne Fitzgerald podemos disfrutar de los dibujos de Addams.

Su máxima creación vería la luz a fines de la década del 30 en una serié de situaciones humorísticas protagonizadas por una macabra familia, este primer intento sería fruto de la colaboración junto a su amigo Ray Bradbury que también publicaba en el semanario newyorkino. Posteriormente cada uno crearía su propia version de esta particular familia, la de Brádbury se llamaría The Elliott family y la da Addams, como no podía ser de otra manera, The Addams family.
Estos inspirarían la creación de dos series de televisión en los 60, varias series de dibujos animados y tres largometrajes.

Los que lo conocieron en vida destacan que Charles Addams era una persona muy simpática y agradable pero que disfrutaba mucho de los aspectos macabros de la vida. Tanto es así que él y su tercera esposa Marilyn Matthews Miller se casaron en un cementerio de mascotas o que su casa natal era una terrorífica edificación victoriana de tres plantas ubicada en Elm Street. Cuenta la leyenda que el hogar de Charles Adams fué la inspiración para el hogar de otra familia disfuncional de la ficción. La casa de Norman Bates y su madre en "Psicosis" de Alfred Hitchcock.

Al Columbia

Al Columbia
¿Quién? Preguntarán muchos.
Un tipo increíblemente talentoso pero que empezó en el mundo del comic con el pié izquierdo.
No se porqué lo emparentó un poco con Paul Pope. Quizás por esa actitud rockera con la que parecen desenvolverse en la vida. Esa desfachatez a la hora de codearse con los grandes. Bueno..., Al Columbia hizo un poco más que codearse con los grandes...
Todo arranca cuando Bill Sienkiewicz abandona "Big Numbers" de Alan Moore en el tercer número y Kevin Eastman, co creador de las Tortugas Ninjas y jefe de la editorial "Tundra" le encarga a Columbia, ayudante de Sienkiewicz hasta ese momento, hacerse cargo del resto de la obra. Lo que el editor no hubiera esperado nunca es que el joven dibujante desapareciera con la plata que había cobrado y destruyera las páginas que había logrado terminar del cuarto número de "Big Numbers"
Mejor dejemos que nos lo cuente él mismo desde un comentario publicado en la web de "The Comic Journal" y traducido por la siempre recomendable "Entrecomics".

“Lo recuerdo como algo muy divertido, en realidad. Pude follarme a un montón de chicas, gastar dinero y ser conducido alrededor de Londres en una limusina blanca Rolls-Royce (¡dos veces!). Estos son sólo unos de los pocos lujosos beneficios dispensados por Kevin Eastman, gracias a su crédito y amabilidad. Es cierto que Kevin tiene un gran corazón -sin sarcasmos.”
“Supongo que en último término debo disculparme públicamente ante él por retener y finalmente destruir el trabajo que él me pagó por hacer. Cierto, él nunca los compró “en propiedad”, y legalmente no tenía derecho a reclamarlo, pero aun así… éticamente hablando, debí habérselo entregado para que lo usase a su antojo, de acuerdo con nuestro contrato. (…). A riesgo de arruinar todo el misterio alrededor del suceso, contaré como recuerdo que sucedieron las cosas… tan breve y claramente como sea posible. Me pagaron 9.200 dólares para completar el número cuatro de Big Numbers."

“Vale, no se lo digáis a nadie, pero para ser sinceros, ni siquiera terminé el número -pero igualmente fui pagado por él. La razón por la que destruí las páginas fue porque no podría haber admitido que sólo había completado como la mitad del número cuando me despedí, a pesar de haber cobrado todos esos cheques. Amaba el dinero de Kevin, de vedad que sí.”
“Ya veis, nunca tuve intención de permanecer en el proyecto, simplemente me mantuve involucrado en él para ganar (a través del dinero de Eastman) cierta prominencia, en cuyo momento lo dejé de la manera que todos hemos oído. De esta manera, sin pruebas visibles del trabajo, siempre brillaría como una obra maestra en las mentes e imaginación de la gente. Sería vilipendiado por algunos y convertido en una especie de héroe por otros que que entienden o simpatizan con la “integridad artística” y toda esa mierda punk rock”

“Sí, soy un chico con cuernos. No hay una sola cosa que diga o haga que no esté pensada para obtener un resultado específico. Todos y cada uno de los rumores sobre mí fueron generados y manufacturados por mí y nadie más que yo. Por favor, permitid que me presente…”* Nota: "Please allow me to introduce myself..." Parafraseando a la primera línea de "Simpatía por el demonio" de los Stones

Vaya que es una manera de presentarse.
De todas maneras y evitando hacer juicios de valor sobre la conducta ética de Al Columbia queda claro que su obra debería figurar entre las mas interesantes de los últimos años. Alcanza con ver "The Biologic Show" que publicó Fantagraphics en 1994 o su último trabajo, "Pim & Francie: The Golden Bear Day.

"The Usual Gang of Idiots"

"El staff de MAD Magazine en uno de sus tantos viajes alrededor del mundo, cortesía de su director William Gaines (al fondo de todos, barba blanca y lentes). Todo comenzó en 1960 cuando Gaines invitó a todo su equipo a un viaje por Haití para conocer a su único suscriptor y convencerlo de que renovara por un año mas. A partir de ahi los viajes se volverían una costumbre y los miembros de Mad visitarían Europa, Asia, Sudamérica y Africa. Dando lugar a extrañas anécdotas que después se volcarían en la revista.

Cuando le preguntaban que papel era el que ejercía él en MAD, Gaines solía decir: "Mí equipo creó la revista, yo solo cree la atmósfera".

James Swinnerton

James Swinnerton (1875-1974).

Este autor, muchas veces eclipsado por la figura de Richard Felton Outcault (The Yellow Kid), fue decisivo a la hora de entender el cómic tal y como lo conocemos ahora.
A los 14 años huyó de su casa natal y viajó hasta San francisco. Hacia 1892 empezó a colaborar como ilustrador y caricaturista para el San Francisco Examiner de William Randolph Hearst. Bajo la tutela de Hearst, con el que forjaría una duradera amistad, Swinnerton publicaría una gran cantidad de trabajos en los que exploraría las posibilidades del nuevo arte. Asi llegarían: “Sam and his Laugh”, “Professor Nix”, “Little Katy and her Uncle”, “Mount Ararat”, “Mr. Batch”, “Mr. Jack”, “Little Jimmy”, “Canyon Kiddies”, “The Daydreams of Danny Dawes”, y “Rocky Mason, Government Marshall”. “The Little bears”, otra de sus tiras, fué pionera incluso antes que The Yellow Kid, en la utilización de viñetas y globos de diálogos y se convertiría en una de las primeras en utilizar personajes fijos. Little Jimmy a su vez sería la mas duradera y aparecería de forma ininterrumpida por 54 años.
Gracias a la popularidad de su trabajo, a los 27 años de edad, Jimmy (como era conocido entre sus allegados) era un joven de vida relajada que disfrutaba de las mujeres y del alcohol en la New York de principios de siglo. Como resultado de esto y luego de una serie de extrañas hemorragias los doctores le diagnosticaron tuberculosis y le pronosticaron una par de meses de vida. De regreso a California y cuando todo hacía prever su muerte, Swinnerton (aconsejado por un amigo) se sometió a una estricta dieta de huevos crudos que milagrosamente le salvó la vida y lo llevó a vivir casi hasta los cien años.

Cuenta la leyenda que desde aquel día, el rehabilitado Swin se sacaba el sombrero en señal de gratitud cada vez que veía una gallina. Believe it or Not!

Revista Fierro

Esté Sábado 10 de Octubre, con su número #36 en la calle, la revista "Fierro" cumple tres años en esta nueva etapa. Durante este tiempo pasaron por sus páginas desde los clásicos de la historieta nacional (Breccia, Mandrafina, Altuna, Gimenez, Muñoz, etc) hasta los mas talentosos autores de la nueva generación. Como parte de los festejos por estos tres años, desde este blog les presentamos los rostros de algunos de los muchos y grandes artistas que pasaron por la revista. Como siempre agradecemos a los retratados y a los fotógrafos por prestarnos sus imágenes para publicarlas en este blog.

Ernán Ciriani, T. Dassance y Juan Sáenz Valiente

Caro Chinaski

Alejandra Lunik

Rodrigo Terranova, Frank Arbelo y F. Reggiani

Lucas varela, Pablo Túnica
Humberto Miranda y Gustavo Sala

Esteban Podetti, Diego parés y Lucas Nine

Gastón Souto, el Polaco Scalerandi, Parés y Tute

El Niño Rodriguez y Lucas Varela

Max Aguirre, Mandrafina y Angel Mosquito

Sala, Fede Pazos, Parés y Zweig.

Ernie Bushmiller y Otto Soglow

"Ball Point Bathing Suits", ese es el nombre de la sesión fotográfica que se llevara a cabo el 1 de Enero de 1950 y que reflejara la lente del fotógrafo Bernard Hoffman.

La idea es tan curiosa como sencilla: un numeroso grupo de "cartoonists", lapicera en mano, ilustran con sus personajes los trajes de baño de bellas y jóvenes modelos a las cuales luego procederán a mojar para comprobar la resistencia al agua de la tinta.

¿Precursores del bodypainting o de los concursos de camisetas mojadas? Tal vez ambas.

El tema es que en dicho evento podemos descubrir, y digo descubrir porque el fotógrafo no hace referencia a los fotografiados, a una serie de reconocidos dibujantes de la época. Entre ellos, dos de los que aparecen

en este post: Ernie Bushmiller, el creador de Nancy (Periquita) y Otto Soglow, el padre de The Little King (El rey petiso).

Ah… Los fabulosos años 50 mis amigos.

Quién pudiera…

Agradecimiento especial en este caso a Loris Z. por la foto y el dato.

Al Capp

Al Capp, el creador de Li'l Abner, posa despreocupado junto a un coro de atractivas rubias en bikini. Visto desde esta perspectiva tan frívola no es de extrañar que por esa misma época el autor que solía colaborar en el popular "Tonight show" de Johnny Carson, se enfrentara en un episodio televisivo con el mismísimo John Lennon y señora. Bueno, la verdad es que Yoko aporta bastante poco en la discusión. Capp, que llegó a ser propuesto por Charles Chaplin para el Nobel, nos brinda en este incidente una clase magistral de su irónico sentido del humor (un poco teñído de patético conservadurismo), pero humor al fin. Lennon que sospechamos ya sabía en lo que se había convertido trata de permanecer en su sitio (la cama) y enarbolar la bandera del amor libre y la no violencia. ¿Quién ganó en esta batalla dialéctica dirán ustedes? Saquen sus propias conclusiones:

http://www.youtube.com/watch?v=2ZkRdPxQENU&feature=player_embedded

José Muñoz

"Nosotros, como argentinos, multiculturales, tenemos todo el derecho y el placer de ejercer todas las identidades que nos fueron formando. Sopa densa, carnavalesca, milonga de disfraces… Dando vueltas por esos mundos, tenemos una ventaja: que no somos solamente regionales y egocéntricos, en el sentido negativo del término. Esta maravilla, este fulgor argentino multidentitario… tenemos egocentrismos de colores exasperados, de Technicolor de los años 50… El trabajo nos llevó a ese tipo de desesperaciones baratas, de una identidad que existe solamente en el excluir a otras, una gran enfermedad de nuestra especie, ¿viste?... Hemos tenido la suerte (y yo pienso que es una suerte y no una desgracia) de no tener una identidad definida..."
Aquel que habla de una identidad sin definir es José Muñoz. Permítanme decirlo: después de Alberto Breccia, el mejor dibujante argentino. Gran premio de Angouleme 2007 y consecuentemente presidente de la edición 2008.
Fragmento de una gran entrevísta realizada por Lucas Nine para el especial de Junio de la revista Sacapuntas. Pueden, digo: deben leer el resto de la entrevista aquí http://www.a-d-a.com.ar/sacapuntas.php

Carlos Roume

El 26 de Setiembre falleció Carlos Roume. Había nacido en Buenos Aires en 1923 y era el noveno hijo del arquitecto y escultor francés François Roume. Con su reconocible trazo de tinta supo brillar en Patoruzito, las revistas de Editorial Abril, Frontera y Record. Durante los años 50 y 60 también colaboró para el mercado inglés (Fleetway) y para el Italiano en el Corrieri dei Piccoli. Por esos años también fue docente en la Escuela Panamericana de Arte donde formó parte del grupo de los doce famosos artistas junto a nombres como los de Pratt, Breccia, Freixas, etc. Desde hace algunos años estaba instalado en Tandil, provincia de Buenos Aires, alejado del mundo del comic pero aún dedicandose al arte produciendo esculturas y pinturas de caballos.

Pratt, Solano y Trillo

1980. Lucca, Italia.

Hugo Pratt, Francisco Solano López y Carlos Trillo en un descanso en el salón del comic de esa ciudad. Salón que siempre recibió bien a los artistas argentinos. Recordemos que Alberto Breccia recibió un "Yellow Kid" en el 73 y Carlos Trillo uno en el 78 cuando recién empezaba en esto de realizar guiones.

Para 1980 en Lucca se realiza la Gran Muestra del Festival. Para la ocasión, Carlos Trillo junto a Guillermo Saccomanno realizan, editado por Record, el clásico "Historia de la historieta argentina"

Jack Cole

Allá por 1941, en plena Golden Age, los superhéroes rara vez se diferenciaban del patrón impuesto por Superman o Batman. Digamos: el estereotipo del héroe con capa y superpoderes o el detective enmascarado.
Excepciones había muy pocas. El Plastic Man de Jack Cole era sin duda una de ellas. Desde las páginas del comic de la editorial Quality, Cole se adelantaría al pop y a la psicodélica por 20 años, demostrando su gran versatilidad. En 1947 para un número de True crime Comics realizaría "Murder, Morphine and Me", la cual quedaría en la historia al ser referenciada por Frederick Wertham en su célebre libro "The seduction of the innocent”, el cual desencadenaría una feroz cruzada en contra de la violencia en el comic y terminaría con la imposición del Comic Code Authority.
Entrados los años 50 comenzaría a trabajar para Playboy en donde publicaría una serie de exitosos gags protagonizados por bellas pin up girls.
En la tarde del 13 de Agosto de 1958, Cole salió de su casa con la excusa de recoger el correo y el diario, condujo hasta las cercanías de Cristal lake, compró un rifle calibre 22, telefoneó a un vecino y se disparó en la cabeza. Fue encontrado con vida pero murió antes de llegar al hospital.
Esa mañana, Cole había enviado por correo dos notas contando acerca de su suicidio. Una a su mujer Dorothy y otra a su jefe y amigo de Playboy, Hugh Hefner.

Walt Kelly

¡Hemos Conocido Al Enemigo Y Somos Nosotros!

Desde Pogo the Possum, una aparente inocente historia de un grupo de animales que habitan los pantanos, Walt Kelly desnudó las miserias de la política americana de los años 50. Kelly, que se forjó en las filas de Disney y llegó a trabajar en clásicos como Dumbo, Pinocho y Fantasía, llevó el género del "animal strip" hasta límites impensados constituyendo a su tira como una de las más reflexivas miradas sobre la conducta humana que se han dado en el medio.

Quién pudiera pensar hoy día en "Calvin & Hobbes" o "Bone", por citar algunos ejemplos, si no hubiera existido la obra de Walt Kelly.

Basil Wolverton- El Miguel Angel de MAD

En 1946 Al Capp convoca a un concurso entre los lectores de Li’l Abner. El trabajo en cuestión consistía en dibujar a la mujer más fea de Lower Slobbovia, un país imaginario tercermundista creado por el dibujante para su tira . El jurado, integrado por Frank Sinatra, Boris Karloff y Salvador Dalí, recibió una cantidad enorme de retratos pero el ganador resultó ser Basil Wolverton con su interpretación de la horripilante “Lena the Hyena". Wolverton para ese entonces ya estaba desarrollando su estilo al que el llamaba graciosamente "Spaghetti & Meatball" (Spaghetti y Albóndiga) en series como SpaceHawk" o "Powerhouse pepper" y mas tarde en sus famosas colaboraciones en la mundialmente conocida "MAD".

Frank Miller

Frank Miller en la convención de San Diego del 82.

Otro de los tesoros fotográficos de Alan Light.

Por ese entonces, el dibujante hacía furor desde Daredevil y preparaba lo que sería su primera colaboración seria con DC: "Ronin". Mientras tanto, y frente a los fans iría puliendo esa personalidad tan encantadora que lo haría famoso. Si tienen dudas solamente lean el cartel que cuelga detrás: "Por favor no me pidan que dibuje ningún X-Men (excepto Kitty)"

Nuff Said!

Frank Oscar King

Desde su lugar dentro del staff del Chicago Tribune, del que formaría parte desde 1909 hasta su retiro en los sesenta, Frank King llevó adelante lo que se podría considerar la primer tira costumbrista: "Gasoline Alley". Si bien hubo algunos ejemplos anteriores, y King se podría haber apoyado en ellos para la realización de su trabajo, la permanencia de la tira a lo largo de los años le aporta ese plus de temporalidad extendida en donde podemos ver el desarrollo cotideano de los personajes. Acompañarlos en su crecimiento. Ver su evolución a la par nuestra.

Gasoline Alley desde la pluma de Frank King reflejó en gran medida la misma américa que Norman Rockwell pintó desde la portada del Saturday Evening Post.

En este caso la foto está levantada desde www.zonanegativa.com , en donde también podemos encontrar un excelente análisis de la obra del autor.

Guillermo Guerrero y Héctor Sídoli

Hola Humberto.

Acá te paso algunas fotos.

Las de los "Lupin" Guillermo Guerrero y Héctor Sídoli, las tomó Javier Csecs en el año 2001. Javier es un gran fotógrafo en la actualidad, e hijo de Hugo Csecs, uno de los mejores ilustradores que tuvo la revista Anteojito. Estas fotos forman parte de un proyecto de revista de distribución gratuita que había "soñado" Carlos Meglia, en el que participarían Fabián Gordillo y Fabián Mezquita, entre otros. En ese momento yo laburaba con Mezquita en lo de Meglia, y me fuí con otro dibujante, Pablo Rago, a hacerles una entrevista a Guerrero y Sídoli en su oficina de la calle Sarmiento. Una curiosidad (que en parte te compete): Meglia quería que cada página de esa revista gratuita tenga, en las calles inferiores de cada página, una mini tira de Gustavo Sala al estilo "Sergio Aragonés" en la Mad. Me acuerdo posta lo mucho que le gustaba a Meglia el laburo de Gustavo (por entonces era el laburo de la Comiqueando de Sala). La cosa es que el país se refundió en Diciembre del 2001, Meglia se fue a vivir a España por 6 años más o menos, y el proyecto de revista no salió. Hoy no están ni Sídoli, ni Guerrero ni Carlos en este mundo, pero sí sobrevivieron estas fotos de Javier Csecs, y el lindo momento que pasamos entrevistando a estos dos grossos.

Un abrazo, Cesar.-

Mail enviado por César Da Col.

Las fotos son de Javier Csecs.

Sábat, McKean, Grillo, Cavalli

Menchi Sábat, Dave McKean,

Oscar Grillo y Mario Cavalli.

Ehhhh... Hrmmmmm.....

Envidia.

Sana envidia.

Y mucha.

Eso solo. :)

Las mujeres en el comic

Catherine Yronwode (escritora, crítica y editora de comics), Carol Lay (dibujante) y Melinda Gebbie (dibujante y la actual mujer de Alan Moore por cierto) fotografiadas por Alan Light en un panel llamado "Las mujeres en el comic" dentro de la convención de comics de San Diego de 1982.

Alan Moore

Jill de Ray era un dibujante tirando a mediocre que a fines de los setenta publicaba una tira llamada "Maxwell, the magic cat" sospechosamente parecida a "Fat Freddy's Cat" de Gilbert Shelton. Cuando el diario en el que trabajaba publicó una editorial abiertamente homofóbica, como era costumbre en la Inglaterra Tacheriana de los 80, de Ray abandóno tanto su trabajo como su seudónimo y pasó a integrar la lista de desempleados. Su mujer Phyllis lo abandonó huyéndo con su amante Deborah, que también había sido amante de él, y llevándose a sus dos hijas pequeñas. Sintiéndose acorralado por las finanzas decidió probar suerte como escritor y mandó algunos guiones a editoriales importantes. Primero respondió Marvel, luego Warrior y 2000AD. Finalmente DC comics, lo contrataría para renovar a Swamp Thing. El resto es historia mas conocida. Alan Moore no tendría que volver a esconderse bajo un seudónimo.
El mundo se había rendido ante el mago de Northampton.

Charles Schulz

Charles Schulz, el creador de Peanuts. La tira más exitosa a nivel mundial y también la mas longeva. Desde su creación en 1950 hasta la muerte de su autor en el 2000, Schultz no dejó de entregar una nueva aventura de Snoopy y sus amigos ni un solo día.
En una interesante y muy polémica biografía del 2007, David Michaelis lo retrató como hombre depresivo, frío y amargado.
Schulz hubiera respondido como respondía cada vez que le preguntaban por qué Charlie Brown nunca conseguía pegarle al balón: "La felicidad no es divertida".

Aline Kominsky-Crumb

Aline Kominsky. Piernas al aire tocando relajadamente la guitarra.

Seguramente antes del LSD y antes de que Robert Crumb se le subiera a caballito y comenzaran a dar vueltas por la habitación.

Aline, también dibujante, se casó con Robert y juntos comenzaron una relación que llega hasta nuestros dias.